Когда говорят про влияние японского искусства на европейское, часто вспоминают импрессионистов и Ван Гога, восхищавшихся укиё-э. Но во второй половине двадцатого века возникло объединение, повлиявшее на международные культурные процессы гораздо сильнее. Оно называлось 具体 гутай.
Откуда и куда пришли Гутай
Первое десятилетие после войны коммунистическая партия неожиданно завоевала сердца и умы многих японцев. Коммунисты были противниками милитаризма и жертвами репрессий, облав и политических преследований до войны, а теперь их можно было открыто поддерживать. Вместе с ними популярность набрал социальный реализм как художественное течение. Но очень скоро палитра страданий человечества и узкое понимание искусства коммунистами приелось, и в культуре начался очередной период свободных поисков.
Американское влияние тем временем взращивало ценности индивидуализма и свободы, и на фоне молоденькой демократии возникло объединение очень демократично настроенных художников.
Гутай были полноценными участниками международных культурных процессов. Их творчество шло в ногу с европейскими и американскими послевоенными экспериментами, их вдохновлял Поллок (правда, пока при жизни у него была возможность поддержать с ними контакты, он этого не сделал), и их признавал известный критик Мишель Тапье, считая, что они вносят не меньший вклад в искусство, чем течение информализма, бушевавшее тогда во Франции (оно было против вымученных и выверенных произведений, конкретики изображений и за передачу чувств на холсте, за творческую свободу). Прошло несколько выставок за границей, где выставлялись работы Гутай.
Её основателем и вдохновителем стал Ёсихара Дзира, бизнесмен и художник средних лет, самый старший среди всех. Группа образовалась в районе Осаки, тогдашнего делового центра, в городе Асия. Многие её активности и выставки стали возможными благодаря Ёсихаре, который родился в семье богатого бизнесмена и щедро спонсировал то, во что верил. Но до того, как озадачиться революцией в искусстве, он двадцать лет был прилежным преподавателем и успешным художником.
Слоганом и девизом художников стали слова Ёсихара: «Делай то, чего раньше никто не делал». В Японии того времени творческий путь рассматривался как следование по стопам мастера-наставника или по крайней мере как приверженность собственному стилю до конца. Художники Гутай же экспериментировали, работали с разными материалами и в разных направлениях, задействовали интерактивные практики.
У них даже выходил журнал, который был средством самопозиционирования и распространения своих идей. Журнал читали художники за рубежом, и он переводился на английский и французский. Его страницы просто кишели необычными приёмами вёрстки и дизайна. В нём публиковали статьи, фото работ и инсталляций членов группы, поэзию, а ещё творчество зарубежных современников.
У группы было постоянное место для инсталляций, в котором они ещё и устраивали выставки зарубежных современных художников. Оно появилось где-то в период с 1962 до 1972 года и называлось Gutai Pinacotheca. Здесь лично побывали известные сейчас художники – Рауль Раушенберг (тот самый, который выставлял стёртую картину Де Кунинга) и Джаспер Джонс.
Искусство и его преподавание не сразу перестроились после давлений узких рамок милитаристского режима. Гутай преподавали детям искусство, стараясь выработать привычку мыслить независимо и широко. В журнале для детей об искусстве и поэзии Kirin за всё время своей работы они опубликовали около 60 статей.
Кто и что рисовал
Некоторую деятельность Гутай объясняет само названия этого объединения. 具 гу — инструмент, 体 тай — тело. Тело и стало инструментом и средством выражения многих идей, эмоций и творческих порывов этих художников. Правда, у слова «гутай» есть перевод «конкретный», что, возможно, отражается в непосредственной работе с аудиторией и подходе к непривычным для искусства материалам, использовании ресурсов из повседневности.
За несколько лет до того, как хеппенинг и перфоманс стали занимать умы художников в Европе и Америке, в Гутай уже использовали человеческое тело как средство для создания арт-объектов и вовлекали аудиторию в свои практики. Их первые выставки были самыми запоминающимися и показательными. Часто процесс создания арт-объекта был таким же важным, как и сам результат, как, например, рисование ногами перед публикой Кадзуо Сираги.
Так, интерактивное музыкальное представление «Звонок» Танака Ацуко было задумано по схеме, где зритель сам нажимал на кнопку, запуская череду разных звуков по всей галерее, и прерывал этим неспешное созерцание произведений другими посетителями.
В 1962 году Гутай создали автомат, вместо которого работал человек. Посетители могли опустить сюда монетку и получить вольную копию работы художников из этой группы. Её быстро рисовал сидящий в торговом автомате художник, и получались такие репродукции размером с почтовую открытку. Автомат установили в супермаркете. Так художники обратились к процессу автоматизации в обществе, выразили, что искусство может и должно быть доступно широкой аудитории, и показали свою версию интерактива.
Перфомансы и родственные им действия стали основой всего творчества Гутай. Пожалуй, самый известный публике сейчас – это «Вход» Мураками Сабуро. Художник натянул несколько слоёв японской бумаги и разорвал их, пройдя насквозь в полный рост. Результат манипуляций и стал художественной работой. Когда в 2013 году в музее Гуггенхайма организовывали выставку Gutai: Splendid Playground, посетители должны были входить через ремейк этой знаменитой работы Сабуро.
Его пейзажи хорошо вписываются в культурное течение флюксус, если говорить о вот таких.
Эта работа, названная «Все пейзажи», создана раньше, чем само течение флюксус зародилось, в 1956 году. Арт-объект состоит из пустой рамы, подвешенной на потолке.
Художники, ставшие движущей силой Флюксуса, который зародился в начале 60-х, создавали арт-объекты из простых предметов повседневности, иногда по примитивным схемам и всегда с расчётом на бурную реакцию зрителя. Кстати, Ёко Оно была знаменитой частью этого течения. Его участники считали необходимым перемешивание художественных средств и техник, музыки с живописью, поэзии со скульптурой, а само искусство – с повседневностью, и щедро приправляли свои инсталляции и перфомансы шутками или же до непостижимого символичным жестами. В Гутай делали многое из этого, только раньше. Но, конечно, принципы и программы этих течений местами существенно отличались.
Другие свои работы Сабуро создавал, щедро используя краску, а потом вырывал из них некоторые части или разрывал.
Экстраординарных практик в истории искусства было много, но безумный процесс создания, вырывание кусков из картин, выплёскивание краски на холст в случайном порядке не было самоцелью. Не только Сабуро, но и другие художники Гутай были внимательны к композиции, эстетике, сочетаемости разных красок и материалов. Оригинальность и новшество должно было быть серьёзным искусством, а не пустым привлечением внимания. Поэтому их жесты несли в себе смысл и идеи, более развёрнутые и разнообразные, чем общий лозунг «твори так, чтобы было пооригинальнее».
Некоторые художники Гутай, наследуя каллиграфические традиции своей страны, внесли даже больший вклад в капельные техники и картины all-over (композиции без фокусных точек, где линии и точки разбросаны по всему холсту, как во многих работах Джексона Поллока), чем современные им американские художники.
Например, Кадзуо Сирага, Умаэ Тию и Масанобу Масатоси. Сирага создавал каллиграфические работы и просто картины. В 1958 году он представил серию динамичных работ, нарисованных его голыми ногами. По его словам, и процесс создания, и сама энергия работы должны передавать ощущение жизненной свободы. Нам важно помнить, что работы такого типа создавались в консервативной Японии, где этика во многом складывается из понятий долга. Именно эти работы стали наиболее узнаваемыми для него.
Это одна из ранних и известных работ Умаэ Тию. В ней маленькие и аккуратные штрихи устраивали разноцветное столпотворение. Эта эстетика скоплений форм перешла в работы Яёи Кусамы, Марка Тоби и некоторых других художников. Эта работа визуально передаёт ощущение от прикосновения к материалу. И она очень трудоёмкая. Здесь опять же можно проследить внимание Гутай, которое они уделяли материалам, текстурам. В то же время у картины есть свои корни в работах Ван Гога, разлагающих свет и фактуры, и в течении пуантилизма, где картины, наподобие работ Сёра, собирали свет и цвет из цветных точек. Вскоре на выставке Art of a New Era: Informel and Gutai в 1958 году эту работу приобрёл один известный коллекционер, а критик Мишель Тапье выразил восхищение одновременной оригинальностью и преемственностью прошлого.
Беспорядочные закорючки в абстрактных композициях Масанобу Масатоси создавались расчётливо и медитативно, в отличие от резких и эмоциональных работ Сая Твомбли, чьи работы связывают с Масатоси. В работах Масатоси ранние рисунки — цветы и растения, позднее превратились в повторяющиеся округлые формы. Землистые и кремовые цвета наполняли его картины, организовывались в разные силуэты и узоры.
Его сырые и органические текстуры заполнили и ту работу, вдохновение для которой Масанобу черпал в творчестве Малевича и Эда Рейнхарта, – тёмное перекрестье. Для сравнения, вот как выглядят их работы.
А вот для примера работы Сая Твомбли:
Садамаса Мотонага был ещё одним известным и успешным художником. Одна из любимых его техник — использование большого объёма краски, которая сама бы растекалась по холсту и смешивалась с другими цветами. Ему нравился элемент случайности в процессе работы, но он направлял и контролировал то, что происходит на его картине.
В этой конструкции сила гравитации искривляет плёночные трубки, заставляя воду тянуться вниз. Садамаса Мотонага создал это для одной из выставок в 60-е. Потом конструкцию повторили в Гуггенхайме. Садамаса считал, что привлечёт этим внимание к тому, что искусство создаётся не обязательно через нарратив, то есть высказывание о чём-то. Даже такие простые силы природы, как гравитация, являются частью арт-объекта и работы над ним. Ещё он уделял внимание свету в этой работе. Блики должны были заставлять всматриваться в подкрашенную воду в трубах, как в драгоценные камни. Искусство так частично создавало само себя.
А вот в этих работах нашёл отражение его опыт преподавания детям. Здесь он использует примитивные и простые формы.
Влияние на мир искусства
После смерти лидера группы, Ёсихара, Гутай распалась. Художники к тому моменту успели стать знаменитыми и превратились в часть истеблишмента, от которого убегали всё время. Но им было важно продолжать создавать уникальные работы и идти впереди массовых движений. Они ещё долго и успешно работали независимо или в составе других объединений, их стили развивались и менялись.
Когда Америка застряла на этапе абстрактного экспрессионизма и самым живым местом оставались работы Поллока, Гутай ушли далеко вперёд в своих опытах.
Самым ярким их влиянием на будущее искусство стало течение Флюксус и работы Аллана Капроу. Кроме этого можно долго и плодотворно прослеживать корни отдельных концептуальных работ 70-х в творчестве этих японских художников. Кадзуо Сирага, например, вдохновил Ива Кляйна и Жоржа Матьё. Так работы японских современных художников вышли в мир.
